`Sherlock Holmes: Juego de Sombras´, mejorando lo presente

“Las leyes de la mecánica celeste dictan que cuando dos objetos colisionan siempre hay daños de carácter colateral.”

-Dr. Moriarty (Jared Harris)

Para que mi opinión de esta `Sherlock Holmes: Juego de Sombras´ (Sherlock Holmes: A Game of Shadows, Guy Ritchie, 2011) se entienda correctamente supongo que antes de nada debería de dejar claro que soy de los pocos que no se sintieron demasiado convencidos con la cómica y frenética revisión del famoso personaje creado por Sir Arthur Conan Doyle que nos brindó un descafeinado Gur Ritchie hace dos años, y que me pareció un film demasiado blandito e infantil con sólo una cierta apariencia de gamberrismo y personalidad. Ritchie conservaba un estilo formal y estético propio de su cine, que había perdido completamente el rumbo desde su romance con Madonna —ahí está la horrible `Barridos por la Marea´ (Swetp Away, 2002)— sólo recuperándolo parcialmente con la entretenida pero también muy comercial `RocknRolla´ (id, 2008), siendo su `Sherlock Holmes´ una demostración más de que nos encontrábamos ante un cineasta amansado, que había sido despojado de su fuerza y se encontraba más cómodo entre formulas comerciales.

Para mí, lo único que funcionaba realmente en aquel film de 2009 —aparte de la original y estupenda banda sonora de Hans Zimmer— era el efectivo dúo formado por Robert Downey Jr. y Jude Law, el primero desatado explotando una vez más su perfil en plan Tony Stark —excéntrico, sarcástico, bebedor…— mientras el segundo estaba realmente sorprendente dándole la réplica y siendo un más formal e intrépido John Watson de al que nos tienen acostumbrados. El resto se quedaba en desacertado como poco. Rachel McAdams divertida pero en un papel de femme fatale que no le pegaba nada, Mark Strong increíblemente desperdiciado con un villano que lejos de ser un reto para el intelecto de Holmes era poco menos que un patético vende humo —ver el risible enfrentamiento en el puente de Londres, difícil concebir un final más anticlimático…— y un guión como de episodio de serie de televisión de dibujos animados —el plan del villano para conquistar el mundo es para mear y no echar gota…—.

Las diez peores películas de 2011

Año nuevo, cine nuevo. O al menos eso se suele decir. Con el cambió de año llegó el momento —como ya hiciera con 2010— de analizar lo mejor y lo peor que se ha estrenado en mi opinión en España en este periodo de tiempo. Fiel a mi costumbre de dejar lo mejor para el final empezaré con la lista de diez peores cintas, que siempre es bastante más pesada y triste de hacer, básicamente porque lo que menos le apetece a uno es recordar las memeces en las que se ha gastado el dinero o con las que ha perdido el tiempo a lo largo del año. Más bien lo que más se desea es olvidarlas y recordar sólo lo bueno para poder seguir así siendo un entusiasta aficionado al cine —cosa que cada día nos ponen más difícil—.

Cabe señalar lo obvio: si bien me he preocupado por ver las películas que más potencial creía que tenían o las que se comentaban que eran los mejores, uno no ve voluntaria y conscientemente los bodrios más grandes del año —bueno, igual para echarse unas risas algunas veces sí—, lo cual quiere decir que seguramente se habrán estrenado peores, pero de lo que he visto estas diez me han parecido lo peor:

`Drive´, el romántico y oscuro héroe solitario

“Si conduzco para ti tú me dices dónde y cuándo, y yo te doy cinco minutos. Durante esos cinco minutos soy tuyo, pase lo que pase. No miro lo que haces, ni tampoco llevo pistola… sólo conduzco.”

-El conductor (Ryan Gosling)

`Drive´ (id, Nicolas Winding Refn, 2011) es uno de los últimos platos fuertes para clausurar los estrenos de este año no especialmente malo cinematográficamente hablando —de hecho creo que ha sido uno de los mejores en cuanto al promedio de calidad en mucho tiempo—. La película, estrenada con bastante éxito en el pasado festival de Cannes es uno de los estrenos más potentes del año, habiendo conseguido un notable nivel de aceptación tanto entre el público como la crítica —raras veces esto pasa—, y sirviendo como confirmación de estrellato del emergente actor Ryan Gosling —junto a Michael Fassbender, un auténtico acaparador de estrenos y más agradables descubrimientos de este decente año—. Es en total, una película que independientemente de su calidad, tiene todo lo que hay que tener para convertirse en un film de culto y referencial.

Y es fácil entender por qué `Drive´ ha suscitado tantas pasiones como algunas indignaciones entre el público, algunos de los que se pensaban —en parte gracias al engañoso tráiler, que para mis inri destripa la película entera— que este iba a ser un producto de acción y persecuciones al más puro estilo de `A Todo Gas 5´ (Fast Five, Justin Lin, 2011), llegando incluso a resultar bastante divertida y risible la demanda que interpuso un espectador contra la productora por publicidad engañosa —aunque irónicamente seguro que esto ha servido como publicidad extra para la película, como las quejas en las salas en las que se proyectaba `El Árbol de la Vida´ (The Tree of Life, Terrence Malick, 2011)—. Todo esto se resume en que `Drive´ es una película “rara”, no apta para cualquier tipo de público —algo de de por sí no sirve como argumento positivo, por más que se empeñen algunos—. Una obra potente, muy rica en estética y atmosfera, que podría describirse como un extraño coctel entre una historia a lo Charles Bronson y una dirección a lo Terrence Malick. Ahí es nada.

`Immortals´, un entretenimiento fallido, pero visualmente atractivo

“Yo tengo fe en ti Teseo. Demuestra que tengo razón.”

-Zeus (Luke Evans)

Hay directores que consiguen cierto prestigio y seguidores sin haber dado realmente razones de peso para ello. Tal podría ser el caso del director indio Tarsem Singh —antes conocido simplemente como Tarsem, que quedaba más chulo—, que con solamente dos películas en su haber ya había conseguido ese cierto reconocimiento —al menos en ciertos círculos de aficionados al cine—. Cierto es que el hombre tiene un estilo visual llamativo y que a nivel de diseño de producción sus películas suelen ser bastante atractivas, pero personalmente sigo considerando este prestigio demasiado prematuro e injustificado, pues `La Celda´ (The Cell, 2000) por llamativa que fuera tanto algunas de sus escenas como su temática no era nada del otro mundo, y solamente `The Fall: El Sueño de Alexandria´ (id, 2006) —realmente una pequeña joya— era una película lo suficientemente redonda como para sospechar que Tarsem podía dar algo bueno como narrador más allá de rodar vistosos videoclips.

Con esas dos películas como únicos aportes en un periodo de doce años, no es lo que se dice una carrera con demasiado recorrido ni bagaje para juzgar sus cualidades como realizador —cierto es que la complejidad tanto de rodaje como de presupuesto para `The Fall´ la convirtieron en una película que costó unos cuantos años levantar—, y el siguiente paso era toda una prueba de fuego para el todavía primerizo cineasta. Lamentablemente este paso no ha sido todo lo acertado o al menos interesante que debería, y no ha encaminado su carrera por el camino de un cine más “de autor y personal" como el que se intuía en `The Fall´ —que de hecho giraba en torno al cine y a la figura de un cuentacuentos—, sino que el realizador hindú se ha vuelto a escudar en el escaparate del más comercial y asequible, tipo `La Celda´, poniendo esta vez su llamativo estilo al servicio de una producción con la que, como ya se intentara con la floja `Furia de Titanes´ (Clash of the Titans, Louis Leterrier, 2010), se pretende emular descaradamente a la exitosa y potente `300´ (id, Zack Snyder, 2007).

`Misión Imposible: Protocolo Fantasma´, misión cumplida

“Lo único que ha funcionado en esta misión ha sido este equipo.”

-Ethan Hunt (Tom Cruise)

`Misión Imposible´ (Mission: Imposible, Brian de Palma, 1996) es una de las películas de acción más famosas y recordadas de los años 90, con un par de escenas y una banda sonora que pasaron a formar parte de la cultura iconográfica más referenciada en el mundo del cine —esa escena del descenso en cable, mil veces imitada—. Tanto es así que no sorprende que la franquicia haya llegado con vida a nuestros días, más de quince años después del estreno de la primera entrega —que por cierto nunca me ha parecido nada del otro mundo, de hecho la considero de lo peor de De Palma—, cuando lo habitual es que en Hollywood ya hubieran optado por un reboot. Pero no, a pesar de tener ya cincuenta años —que se dice pronto—, y de no tener ni mucho menos el tirón que tenía en los noventa Tom Cruise sigue siendo el máximo impulsor, productor e imagen de esta saga, cuya cuarta entrega estuvo a punto de no ver la luz debido a las diferencias creativas que tuvo la estrella con los productores de la Paramount Pictures, pero que finalmente acabaron solventándose.

Así pues, tras la entretenida y ya lejana cinta de acción con aires de thriller de los 90 —y que como ya digo, considero demasiado mitificada—, y pasando por una muy olvidable segunda entrega completamente pasada de rosca y con un estilo de videoclip que tiraba para atrás —también de lo peor de John Woo—, lo mejor que le pudo pasar a esta franquicia es que la tercera entrega cayera en manos de J.J. Abrams, en lo que supuso su debut cinematográfico, consiguiendo una de las películas de acción más trepidantes y endiabladamente entretenidas de los últimos años, que le debía mucho a la rapidez y contundencia del lenguaje televisivo en que se había curtido el creador de `Alias´ y `Perdidos´ (Lost), pero cuidando también el aspecto cinematográfico. A diferencia del resto de entregas, que con cada director fueron cambiando de estilo, `Misión Imposible: Protocolo Fantasma´ mantiene el estilo y sigue el sendero marcado por su predecesora —no en vano Abrams continua como productor— dejándole esta vez la batuta de director al valorado realizador de animación Brad Bird —suyas son `El Gigante de Hierro´ (The Iro Giant, 1999), `Los Increíbles´ (The Incredibles, 2004) y `Ratatouille´ (id, 2007).

`Acero Puro´, simpático e inofensivo pasatiempos

“Quiero que luches por mí, es lo que siempre he querido.”

-Max Kenton (Dakota Goyo)

¿No os da la sensación de que a veces se mira ciertas producciones con excesivo ojo crítico desde demasiado pronto, sin que haya verdaderos motivos para ello? Así me lo parece al menos a mí, que no entendí demasiado bien el rechazo y las burlas que divisé por los diversos foros de internet hacia `Acero Puro´ (Real Steel, 2011), llegando a leer incluso que esta película sería la tumba de la carrera de su estrella protagonista, el ciertamente últimamente un poco perdido Hugh Jackman. Básicamente según me pareció la desconfianza venía provocada básicamente por dos cosas: el venir la cinta firmada por el director especializado en comedias Shawn Levy —realizador de memeces del calibre de `Gordo Mentiroso´ (2002), `Recién Casados´ (2003), `Doce en Casa´ (2003) y el remake `La Pantera Rosa´ (2006), vale, pero que con sus últimos trabajos, `Noche en el Museo 2´ (2009) y `Noche Loca´ (Date Night, 2010), empezaba a demostrar unas maneras de artesano bastante estimables—, y el tener un planteamiento chorra como combates de boxeo entre robots —las comparaciones con la saga de Michael Bay no se hicieron esperar—.

Pero finalmente, como suponía, la cosa no ha sido para tanto, siendo el resultado no mejor ni peor de lo esperado, sino más o menos exactamente lo que cabía esperar. `Acero Puro´ es un entretenimiento familiar efectivo, competentemente realizado y con mayor grado de emotividad que la industrial y ruidosa saga `Transformers´ (2007-2011) —por cierto, el incansable Bay ya amenaza con una cuarta y una quinta—. Una vez más este año, se recupera el espíritu de cierto ese tipo de producción juvenil de los años ochenta —no es extraño ver a Steven Spielberg entre los productores—, además de cierto aroma a películas Disney y aventuras infantiles en general —en algún momento recuerda a esa joya animada titulada `El Gigante de Hierro´ (The Iron Giant, Brad Bird, 1999)—. O sea, un tipo de cine en el que se vuelve a dar prioridad a los sentimientos y no sólo a los fuegos artificiales, siendo el viaje físico —los combates de boxeo— tan importante como el viaje emocional —la reconciliación padre e hijo, la redención del viejo ex-boxeador acabado…—.

`In Time´, entretenida caricatura social

“Nadie debería de ser inmortal si para ello otros deben morir.”

-Will Salas (Justin Timberlake)

Ya lo decía cuando hablé de la pasable `Cowboys & Aliens´ (id, Jon Favreau, 2011): hay muchas películas que parten de un punto de partida ingenioso, original o llamativo, pero la gran mayoría de las veces el interés de la cosa se queda ahí, sus artífices no saben desarrollarlo y explotarlo como es debido, dando la sensación de que la cosa se queda en muchísimo menos de lo que podría y debería haber sido. Parecía que `In Time´ (id, 2011), la nueva película del siempre interesante director y guionista Andrew Niccol —realizador de la estupenda `Gattaca´ (id, 1997) y la notable `El Señor de la Guerra´ (Lord of War, 2005), y escritor `El Show de Truman´ (The Truman Show, Peter Weir, 1998) y `La Terminal´ (The Terminal, Steven Spielberg, 2004)—, iría más o menos en el mismo camino, construyendo un muy típico entretenimiento alrededor de una sola llamativa idea: el que el tiempo sea la moneda de cambio en una sociedad futurista cercana a la nuestra.

Pero contra todo pronóstico lo que más gratamente sorprende de `In Time´ es que esta idea, en lugar de reducirse a un curioso planteamiento explorado luego sin imaginación, está bastante bien desarrollada y da el suficiente juego a lo largo de toda la película, una caricatura social llena de metáforas y una mirada un tanto crítica al mundo en el que vivimos. No sorprende esto en Niccol, que siempre ha tenido una esa cierta mirada de reproche para con la sociedad en todas sus películas y sus guiones, ya sea criticando el mundo de la telebasura —`El Show de Truman´—, la búsqueda malsana de la perfección genética —`Gattaca´— o algo mucho más básico como el tráfico de armas —`El Señor de la Guerra´—, que se basa en el beneficio personal a costa del sufrimiento de otros muchos. Ese mismo tema toca `In Time´, sólo que desde una perspectiva de ciencia-ficción tipo `Gattaca´, y con un claro envoltorio de cine de entretenimiento del que Niccol no había hecho gala hasta ahora.

`Las Aventuras de Tintín: El Secreto del Unicornio´, pura aventura

Tintín (Jamie Bell): “¿Qué tal su sed de aventuras?”

Capitán Haddock (Andy Serkis): “Es insaciable...”

Me declaro un confeso desconocedor de los tebeos de Tintín y de la obra de Hergé en general, pero para mí esta cinta suponía una cita cinematográfica indispensable por llevar los nombres de dos creadores muy diferentes entre sí pero grandes directores igualmente: Steven Spielberg —uno de los mejores narradores de la actualidad y de la historia del cine— y Peter Jackson —al que debemos una de las mejores trilogías del cine y uno de los últimos productos revienta taquillas de gran calidad—. El que estos dos hombres se sintieran interesados por Tintín, un periodista adicto a resolver misterios acompañado por su perro Milú, bastaba para que yo mismo me sintiese interesado, y aunque el escepticismo había hecho presa de mí no pocas veces al ver los primeros trailers y recepciones críticas, lo cierto es que me senté a verla con cierta excitación, que fue bien aprovechada en los 107 minutos de aventura en estado puro que le siguieron.

Porque `Las Aventuras de Tintín: El Secreto del Unicornio´ es una película elaborada a modo de complejísima y sofisticada montaña rusa que no da tregua, no deja tiempo para aburrirse y no para de divertir, entretener y emocionar. O sea: cine de entretenimiento con todas las letras, pero en el buen sentido de la palabra, pues a menudo —y hoy en día más que nunca— tendemos a menospreciar nosotros mismos la palabra “entretenimiento”, catalogando normalmente así aquellas películas que tienen muchos efectos y que cumplen sin más. Pero precisamente Spielberg y Jackson son dos directores que entienden y respetan verdaderamente el significado de esa palabra, y por eso entendemos la complicación y esfuerzo que les habrá llevado construir esta pequeña joya que, apoyada en las nuevas tecnologías, es capaz de ser una aventura a la vieja usanza, en la que sin haber leído siquiera un cómic de Tintín en la vida casi se siente cómo páginas de tebeo que cobran vida, se respira ese tipo de aventura ingenua, despreocupada y nostálgica, que tiene mucho que ver con la famosa saga del arqueólogo dirigida por el propio Spielberg.

`Los Tres Mosqueteros 3D´, chapucera aventura

“Lucha por amor D'artagnan, Francia se defenderá sola.”

-Athos (Matthew Macfadyen)

Cuando se anunció que Paul W.S. Anderson llevaría a la gran pantalla su propia versión en 3D de `Los Tres Mosqueteros´ (The Three Musketeers), la inmortal novela de Alejandro Dumas, muchos nos llevamos las manos a la cabeza. Y con toda la razón del mundo. Recordemos que el director, responsable de lindezas como `Alien vs. Depredador´ (Alien vs Predator, 2004) y `Death Race´ (id, 2008), ya nos había dejado muestras de su sentido del espectáculo en versión 3D con la cuarta nefasta entrega de la franquicia que el mismo inició, `Residel Evil: Ultratumba´ (Resident Evil: Afterlife, 2010), dando como resultado una película ridícula y aburrida, la peor de toda la saga y una de las peores del año pasado. No parecería pues, que su incursión en el cine de aventuras clásico de la mano de las nuevas tecnologías fuera a dar mejores resultados, por mucho que el material del que partiera fuera harto mejor que los guiones que suele sacarse él mismo de la manga.

Además, soy de los que opinan que el 3D no favorece nada al cine de época (ya lo dije en mi crítica de `Piratas del Caribe: En Mareas Misteriosas´), pues a diferencia del de ciencia ficción o animación (en el que hace que los efectos digitales adquieran volumen dotándolo de mayor veracidad), lo que consigue es que todo se note más falso e irreal, es más difícil creerse la época ficticia en la que se desarrolla. Pero Anderson, gran admirador de este formato (se dice que le compró las cámaras al mismísimo James Cameron), argumentaba todo lo contrario: que se le podía sacar mucho partido al 3D en este tipo de películas y que lo iba a demostrar. Por mi parte, lo único que ha demostrado es que deberían de prohibirle dirigir, o al menos penalizarle por un par de años, por realizar semejante esperpento. Un producto torpe, absurdo e incluso cutre que es un insulto para la novela de Alejandro Dumas.

`Los Amos de Brooklyn´, estupendo drama de acción policial

“Yo no quiero el perdón de Dios. ¡Quiero su ayuda!”

-Sal (Ethan Hawke)

Nunca dejaré de sorprenderme en cuanto a temas de distribución se refiere, pues es algo que se me antoja completamente incomprensible. Y es que mientras que películas que no valen un pimiento o que parecen no tener demasiado interés inundan nuestras carteleras semana tras semana, otras aparentemente perfectamente comercializables nunca llegan, mientras que una pequeña minoría acaba llegando años después, cuando ya nadie se acuerda siquiera de ellas, normalmente en DVD pero a veces incluso pasando discretamente por cartelera. Ese último ha sido el caso de la que aquí se ha dado a conocer como `Los Amos de Brooklyn´ (Brooklyn´s Finest, Antoine Fuqua, 2009), una película que ya pensaba que tendría que ver por medios ilegales, pero que me alegro haber tenido la oportunidad de disfrutar en una sala de cine, como debe ser.

La cinta dirigida por el afroamericano Antoine Fuqua no es el colmo de la originalidad, desde luego, y recorre con descarado orgullo los tópicos del género policiaco, centrándose en tres historias que representan tres caras y modos de ver la vida en torno al difícil trabajo policial: la de un policía joven apurado por las deudas y tentado a la corrupción (Ethan Hawke, repitiendo con el director tras la potente `Training Day´), la de uno veterano al que el dedicar toda su vida a ese trabajo le ha convertido en un cínico solitario que sólo espera la jubilación  (Richard Gere, en mi opinión uno de sus mejores papeles de toda su carrera), y por último la complicada situación del policía infiltrado protagonizando una lucha interna entre el policía que es y el criminal que se ha visto obligado a interpretar durante tanto tiempo (Don Cheadle), viéndose obligado a traicionar a gente a la que ha llegado a coger aprecio.

`La Deuda´, vergüenza, culpa y redención

“No se puede volver atrás…”

-Rachel Singer (Helen Mirren/Jessica Chastain)

Tras varios retrasos y cambios de fecha injustificados, se estrena por fin en España `La Deuda´ (John Madden, 2011), de la cual hablé con motivo de su tráiler hace ya prácticamente un año. Normalmente tantos retrasos imprevistos suelen tener que ver con cambios de última hora en la producción o con no saber simplemente cómo venderla una vez tenerla acabada, lo cual no suele ser nunca buena señal de la calidad final del producto precisamente. Aún así me llamó mucho la atención desde un primer momento esta película, y es difícil decirle que no a un drama de acción protagonizado por Helen Mirren (`The Queen´, `RED´), Tom Wilkinson (`Batman Begins´, `Michael Clayton´), Ciarán Hinds (`Munich´, `El Rito´) en el lado de los veteranos, y Sam Worthington (`Avatar´, Terminator Salvation´), Marton Csokas (`El Reino de los Cielos´, `XXX´) y Jessica Chastain (aún no muy conocida, pero que protagonizará alguno de los filmes más esperados de los próximos meses) interpretando los mismos roles en su juventud.

En el apartado de dirección encontramos además al profesional John Madden, al que muchos no perdonamos el que su entretenida `Shakespeare in Love´ (id, 1998) fuera la gran triunfadora de los Oscar el mismo año en el que competía con cintas ampliamente superiores como `Salvar al Soldado Ryan´ (Saving Private Ryan, Steven Spielberg, 1998), `La Delgada Línea Roja´ (The Thin Red Line, Terrence Malick, 1998) y `La Vida es Bella´ (La Vita È Bella, Roberto Begini, 1998), películas de directores bastante más talentosos y cuyas obras han demostrado ser mejor valoradas y recordadas con el paso del tiempo. Pero rencillas tontas a parte Madden, sin ser un gran director, sí que es un artesano con suficiente talento (`Proof´ por ejemplo personalmente me gustó bastante), y eso es algo de lo que se ve positivamente afectada `La Deuda´ (The Debt). Lamentablemente también de sus limitaciones.

`Cowboys & Aliens´, western vs ciencia-ficción

“A Dios no le importa quién eras, sino quién eres…”

-Meacham (Clancy Brown)

A veces, quizá como recurso desesperado para la falta de ideas, quizá como solución lógica para buscar propuestas nuevas y estimulantes, surgen este tipo de mezcla de géneros como la que propone esta `Cowboys & Aliens´ (2011), basada en el cómic de Fred Van Lente y Adrew Foley y uno de los tres blockbusters producidos por un Steven Spielberg que nos han llegado este verano (los otros dos han sido la absurda `Transformers 3´ y la emotiva `Super 8´). Además, la película tiene como increíble aliciente el tener como cabezas de cartel a Daniel Craig y Harrison Ford, una estrella de la actualidad junto con una del pasado, ni más ni menos que James Bond e Indiana Jones juntos en una misma película. A pesar de ello, y del llamativo punto de partida, la cinta ha sido un sonoro fracaso en EEUU, a lo que no han contribuido unas críticas que se han ensañado con ella, en mi opinión sin demasiado motivo.

Y es que no soy precisamente de los que esperaban un gran trabajo de alguien tan soso como Jon Favreau (director de la infantil `Zathura´, la entretenida `Iron Man´ y su aburrida secuela), que iba a trabajar además sobre un guión de los normalmente poco fiables Alex Kurtzman y Roberto Orci (que en mi opinión sólo han realizado trabajos decentes estando a las ordenes de J.J. Abrams). Pero una vez vista la cinta no me parece desde luego ese desastre absoluto que se ha vendido, sino simplemente un producto que (como tantos otros) se queda a medio camino de que podría o debería haber sido. Y lo que podría y debería haber sido es una estupenda y trepidante película de aventuras al más puro estilo `Indiana Jones´, al menos si la hubiese dirigido el propio Spielberg, o incluso el cada vez más prometedor Abrams (una especia de Spielberg moderno, a mi parecer). Sencillamente es un producto que se deja ver, empieza con fuerza y va decayendo poco a poco, sin llegar a alcanzar en ningún momento un nivel inaceptable.

`Super 8´, magistral ejercicio de nostalgia y pasión cinéfila

“Hay cosas malas, hay cosas malas… pero todavía puedes vivir.”

-Joe Lamb (Joel Courtney)

Cuando se anunció que `Super 8´ (id, 2011), la nueva producción de J.J. Abrams, finalmente no se estrenaría en España hasta finales de agosto (cuando su estreno en Estados Unidos iba a ser a mediados de junio) yo fui de los que se llevó las manos a la cabeza, escandalizado por el injustificado y excesivo retraso de este blockbuster veraniego que (por los trailers y su completamente nostálgico y maravilloso cartel) parecía que iba a recuperar de manera revitalizada el estilo de las producciones de Steven Spielberg realizadas alrededor de los años ochenta y comienzos de los noventa. Un tipo de cine que alguien como yo, que se ha criado mamando de él, echa inevitablemente de menos. Pero una vez pasado el tiempo y llegado el ansiado momento creo que no exagero si digo que la espera ha merecido la pena, y que `Super 8´ es seguramente el mejor broche final inimaginable para un verano no especialmente llamativo por su calidad (con salvables excepciones).

Sí, amigos. Ese señor de nombre J.J. Abrams, que después de una exitosa carrera en televisión (`Perdidos´, `Alias´) saltó al cine devolviendo la vida a dos series cinematográficas completamente hundidas (con `Misión Imposible III´ y `Star Trek 2009´), ha mirado hacia atrás con ojos nostálgicos, y el resultado es ni más ni menos que la mejor película que nos ha dado el verano y, por ahora, una de las mejores del año, por mucho que algunos cínicos se empeñen en no verlo y en desmerecer las cualidades de una cinta sencillamente maravillosa, mágica y emotiva. De estos sujetos nunca faltan, pues tiene que haber de todo. Afortunadamente, el cine, cuando está bien hecho y especialmente cuando desprende tanto amor y cariño en cada fotograma como es el caso, no necesita de defensa alguna. Sencillamente se defiende solo, y de hecho esta crítica es completamente innecesaria (en el supuesto de que alguna no lo sea), lo reconozco.

`Conan, el bárbaro´, un desastre anunciado

“Cuando un cimerio tiene sed… es sed de sangre. Cuando tiene frío, es el frío filo del acero.”

-Corin (Ron Perlman)

Pues eso, que no resulta ninguna sorpresa que la nueva adaptación cinematográfica de Conan, de la que tanto tiempo se ha venido hablando y tantas vueltas ha dado haya terminado siendo un desastre. No me encontraba entre los detractores de Jason Momoa como nuevo Conan, esos que decían que Arnold Schawarzenegger no tenía sustituto posible, pues, aunque estoy de acuerdo en que es difícil dar la talla y estar a la altura físicamente hablando en comparación con el ex-gobernador de California en aquella época (porque vamos, ni él mismo está a su misma altura ahora…), no creo que a Momoa le falte el físico, agresividad o carisma necesarios para un papel así (basta verle en la magnífica serie `Juego de Tronos´). Tampoco quiero entrar en comparaciones con el cómic de Robert E. Howard, del que dicen que esta película bebe más que la de 1982, pues soy desconocedor del universo literario y por tanto me importa bien poco la fidelidad al mismo.

Lo que sí me importa es la buena utilización del lenguaje cinematográfico, ese mismo que cuando está bien dado puede dar como origen excelentes narraciones de aventuras en las que influyen una serie muy precisa de factores (ritmo, emoción, intensidad dramática, puesta en escena…), pues no esto no se trata, como muchas veces se deja entrever, de una mera cuestión de elementos (violencia, luchas a espada, persecuciones, sexo…). En ese sentido, la original de John Milius era una película notable, tampoco excelente, que se apoyaba quizá excesivamente en su poderosa banda sonora (Basil Poledouris conducía la película más que Milius, de eso no cabe la menor duda), pero lo hacía con imágenes poderosas, bellas y para nada gratuitas, como el operístico asalto a la aldea de Conan cuando éste era un niño, o la impactante ejecución de su madre, una escena que aún hoy me pone el bello de punta.

`13 Asesinos´, espectacular relato de sangre y honor

“En la batalla no hay código samurái. ¿No tienes espada? Usa un palo o una piedra. Si no tienes piedra, usa los puños y los pies. Entrega tu vida, pero haz que el enemigo lo page…”

-Shinzaemon Shimada (Kôji Yakusho)

Es un verdadero escándalo, por no decir otra cosa más malsonante, que mientras que películas que no valen un pimiento han inundado nuestras carteleras este verano (ejemplos como `Transformers 3´, `Green Lantern´, `Templario´, `La Boda de mi Mejor Amiga´ o `Bad Teacher´ dan buena fe de ello), un producto a primera vista tan interesante y potente como `13 Asesinos´ (13 Assassins, Takeshi Miike, 2010) haya tenido una distribución tan rastrera y cobarde, limitándose su presencia a un par de cines en TODA España, con lo que un servidor no ha tenido oportunidad de ir a verla en pantalla grande (cosa que me hubiera encantado) y ha tenido que recurrir a “métodos ilegítimos” para disfrutar de su visionado. La indignación no puede más que ir en aumento cuando una se da cuenta de que el susodicho film (alabado en el pasado festival de Sitges, algo que nuestros queridos distribuidores no han querido o no han sabido vender) es una gran película, probablemente una de las mejores “estrenadas” este año.

En `13 Asesinos´, remake de una película japonesa de 1963 `Los 13 Asesinos´ dirigida por Eiichi Kudo (que no he visto, pero me la apunto), el inclasificable Takeshi Miike (suyas son bizarradas indescriptibles como `Ichi The Killer´) nos sumerge en un relato con la siempre fascinante figura del samurái como eje central, ofreciendo una película sobre el honor y el deber en tiempos oscuros en la que se nos narra cómo un grupo de samuráis liderado por el veterano Shinzaemon Shimada (estupendo Kôji Yakusho) decide revelarse contra su violento y sanguinario amo Lord Naritsugu (Gorô Inagaki), cuyos horribles actos amenazan la paz del reino. Así pues, estos samuráis se ven obligados a romper su juramento, convirtiéndose así en asesinos y planean el asesinato de aquel al que deben lealtad en pos de un bien mayor, viéndose obligados a enfrentarse a sus propios hermanos. Una historia de gran potencia y atractivo épico a la que Mikke logra sacarle todo el partido.

`Templario´, sangrienta torpeza

“Sólo los débiles creen que lo que hacen en la batalla es lo que les convierte en hombres…”

-Marshal (James Purefoy)

Entre todas las películas que nos han llegado este verano, que por otra parte tampoco se ha caracterizado por ser especialmente abundante en cuanto a calidad, probablemente la peor (y se lo cierto es que se ha ganado este reconocimiento a pulso) sea `Templario´ (Ironclad, Jonathan English, 2011), estrenada el pasado 22 de Julio. O al menos puedo decir que es la peor he visto yo en pantalla grande este verano (que es la manera de detectar verdaderamente la deficiencia de las películas, cuando el dinero gastado en una entrada llega a dolerte). Lo cierto es que tampoco esperaba nada ni tenía ningún tipo de expectativa sobre la película, sólo sabía que aparecía ese portentoso e normalmente desaprovechado actor llamado Paul Giamatti (eso me parecía cierta garantía de calidad, ingenuo de mi…) y que era una sangrienta oferta de aventuras aparentemente no muy diferente a cosas como la simpática `Centurión´ (Neil Marshall, 2010), con la que comparte su estilo de serie B y la simplicidad del título.

Así que el señor Jonathan English (¿se puede tener un nombre más británico?), director de `La Leyenda del Minotauro´ (uno de esos títulos que van directamente a DVD, como debería de haber ocurrido con éste), lo tenía realmente fácil para entretenerme un par de horas sin demasiados quebraderos de cabeza. El problema es cuando te sientas en la butaca, comienza la jugada, y empiezas a ver que la puesta en escena es de una torpeza insultante, que las escenas de acción están mal rodadas y no se entiende nada, que los personajes son tópicos andantes sin ningún interés real y que los actores que los interpretan, los que son buenos (Giamatti, Brian Cox), están desaprovechados, mientras que los que son regulares (James Purefoy, Kate Mara) lo hacen directamente mal, al tiempo que lo único que parece buscar el director es impactar al espectador con una sangre y violencia gratuita, lo cual puede llegar a tener su encanto gore, pero no funciona como debería porque, lógico, la historia nos la suda.

`El Origen del Planeta de los Simios´, una rebelión a medias tintas

“No son personas, ¿sabe?”

-John Landon (Brian Cox)

Tengo la sensación de que tengo que pedir perdón de antemano, porque voy a ser un poco duro con `El Origen del Planeta de los Simios´ (Rupert Wyatt, 2011), actual y afamada precuela de la mítica película de 1968 interpretada por Charton Heston, y realmente no se lo merece. No se lo merece porque no está tan mal, es una cinta entretenida, correctamente dirigida por el debutante Rupert Wyatt (que con este éxito ha dado la campanada y entrado por la puerta grande en la industria), con buenos intérpretes, una decente banda sonora (Patrick Doyle pocas veces falla) y una utilización de los efectos especiales (al servicio de la historia, como debe ser) más que encomiable. En otras palabras, es un espectáculo como ya les gustaría ser o llegar a acercarse a la mitad de producciones estrenadas durante este verano. Pero, a diferencia de la gran mayoría de la gente (para la cual la cinta ha sido toda una sorpresa y lo entiendo) yo personalmente confiaba mucho en las posibilidades de este proyecto, y sinceramente sólo me he sentido satisfecho a medias.

Así que como este es mi espacio personal, en el que nada me condiciona y a nadie puedo ofender (excepto al que quiera sentirse ofendido, claro está) expresaré claramente mi opinión, que no es otra que la corrección no es lo mismo que maestría, y que me parece que `El Origen del Planeta de los Simios´ se queda en mitad de camino en la mayoría de cosas que plantea, desperdicia enormemente el potencial dramático de la historia que está contando y traiciona su propia temática con el fin de crear un entretenimiento para toda la familia, perfecto para entrar una sala de cine una calurosa tarde de verano con los críos y distraerse, pero quedándose así lejos de la gran película que podría y debería haber sido (esa misma que prometía su estupendo segundo avance, que incomprensiblemente contiene un par de instantes que faltan en el metraje estrenado en cines, algo que para mí resulta de lo más significativo).

`Green Lantern (Linterna Verde)´, cutre, sosa e impersonal, pero distraída

“En el día más brillante, en la noche más oscura, ningún mal podrá escapar de mi vigía. Que aquellos que adoran el poder del mal teman mi poder, ¡la luz de Green Lantern!”

-Hal Jordan/Green Lantern (Ryan Reynolds)

Hay veces en las que uno va al cine con tan pocas expectativas, tan poco motivado por lo que va a ver o totalmente convencido de antemano de la mediocridad del producto (las motivaciones que le arrastran a uno a soltar el dinero en tales circunstancias son dignas de estudio sin duda) que en definitiva la más leve dosis de deficiente cine de aventuras y entretenimiento bastan para convencerlo, o por lo menos dejarle mínimamente satisfecho. No estoy aquí para decir que `Green Lantern´ sea una buena película, dios me libre, pues se trata como poco de un film mediocre que ni siquiera alcanza los mínimos de espectacularidad que uno esperaría de una superproducción que ha costado una salvajada (se habla de 200 millones), pero que se trata por lo menos de un film pasable, fácil de ver, que no insulta al espectador a la cara ni le provoca dolor de cabeza como ese despropósito mucho más vistoso que es `Transformers 3´.

Tras las cámaras nos encontramos a un viejo conocido, Martin Campbell, ese que cuando quiere ha demostrado ser un cumplidor narrador de cine de aventuras como en los casos de `La Máscara del Zorro´ (1998) o `Límite Vertical´ (2000), aunque también ha dejado claro que puede dirigir memeces como en el caso de `La Leyenda del Zorro´ (2005), una muy poco inspirada segunda parte del simpático primer film, que en definitiva nunca debió de existir (para más pistas los guionistas de la saga `Transformers´ andaban metidos en el asunto). Pero sin duda la cinta por la que Campbell será recordado (en algo que sólo puede considerarse como un extraordinario milagro) es la vibrante, clásica, salvaje y oscura `Casino Royale´ (2006), un brillante reinicio para la franquicia del agente 007 que es para mí lo más parecido a lo que hubiera pasado si Steven Spielberg hubiera dirigido una entrega de la saga (algo que en su día intentó, pero que desgraciadamente nunca sucedió).

`Paul´, efectivo divertimento sin personalidad

“¿Por qué todo el mundo cree que les quiero meter una sonda por el ano? ¿Creéis que tengo una cosecha de pedos? ¿Cuánto se puede aprender de un culo?”

-Paul (Seth Rogen/Santi Millán)

Vaya por delante que me lo he pasado bien con `Paul´, que me ha hecho gracia, me he divertido, he estado entretenido y la sensación general que he tenido al salir del cine ha sido la de satisfacción, al igual que la que podía intuirse en el resto de los espectadores que abandonaban la sala junto a mí (siempre me ha encantado ver las reacciones del público, estudiar las diferentes respuestas a una película). Así que en general no tengo nada en contra de la cinta, salvo en el caso de que quiera verse como una continuación del dúo compuesto por Simon Pegg y Nick Frost (protagonistas y guionistas de la cinta), trasladando sus andanzas de Reino Unido a Estados Unidos, y por tanto tendría que funcionar junto con `Zombis Party´ (Shaun of the Dead, 2004) y `Arma Fatal´ (Hot Fuzz, 2007). En ese caso la cinta no resiste la comparación, ni por asomo.

Básicamente, porque aunque en el sentido de explorar de manera cómica los tópicos y lugares comunes del género (primero terror, luego acción, y en este caso ciencia ficción), ya sea por el traslado a tierras americanas de la acción (lógico si tenemos en cuenta que toda la “cultura alíen” se encuentra en EEUU) o por el cambio del director de las dos primeras cintas, el estrambótico Edward Wright (que también ha experimentado el salto al cine americano pero sin perder un ápice de personalidad con la desternillante e inclasificable `Scott Pilgrim contra el mundo´). Si a ello le añadimos que el sustituto ha resultado ser el mucho más convencional Greg Mottola (`Supersalidos´, `Adventureland´), podemos entender por qué a `Paul´ le falta “ese toque especial” que tenían las dos anteriores andanzas del dúo, lo cual resulta un tanto decepcionante, sin por ello desmerecer una película bien realizada, con estupendo ritmo y correctas dosis de irreverencia.

`Cars 2´, el pequeño bache de unos genios

Finn McMissile: “Permíteme que me presente. Finn McMissile, inteligencia británica.”

Mater: “Tow Mater, inteligencia del montón.”

A diferencia de `Kung Fu Panda´ (2008), que es considerada uno de los films más logrados de la factoría Dreamworks y que también ha conocido una entretenida secuela estrenada este mismo verano, `Cars´ (John Lasseter, 2006) no es precisamente uno de los títulos mejor valorados de la laureada compañía Pixar, que cada vez suma más reconocimientos y aplausos, especialmente por sus últimos títulos y concretamente por esa maravilla llamada `Toy Story 3´ (en mi opinión la mejor película del año pasado y muy probablemente lo mejor que ha parido la compañía, que ya es decir). Por eso resulta extraño que una vez cerrada de manera magistral su famosa trilogía apostaran por una secuela de este título, incluso dando la sensación de que se trata más de un capricho de John Lasseter, fundador de la compañía y director de la película original de los coches, que vuelve a dirigir este secuela en colaboración con Brad Lewis.

Y pocos dudan ya de que se trata de uno de sus trabajos menos inspirados, probablemente lo peor que han hecho nunca, aunque siendo justos el que se haya estrenado justo después de `Toy Story 3´ probablemente haya contribuido a realzar sus defectos en muchos sentidos. Porque `Cars 2´ no es tampoco un entretenimiento despreciable, la verdad, es un interesante homenaje al cine de acción y espías al más puro estilo James Bond, aplicado al universo poblado de vehículos y transportes parlantes (seamos sinceros: uno de los menos ingeniosos creados por la compañía, `Bichos´ incluido), que hasta cierto punto llega a tener su gracia, pero limitado por una historia que poco tiene de la magia y el encanto que suelen desprender las películas de estos señores.